N’étant pas un inconditionnel de la sensiblerie cinématographique, je suis pourtant preneur de tout type de spectacle du moment que le discours ne tire pas trop sur certaines cordes, comme le kitch, le romantique, ou  l’hyperdramatique, et qu’on ne prend pas le spectateur pour un niais attardé. 

Cédant à la mode des « top » ((top 10, etc..) je propose donc mon top 5 des films les plus « cucul la praline » que j’ai eu la malchance de voir.  Je précise qu’ils ne sont pas rangés par ordre.

1: Un long dimanche de fiançailles: Jean-Pierre Jeunet avait déjà fait dans le cucul avec Amélie Poulain, mais avec « un long dimanche de fiançailles » il a atteint des cimes, avec notamment la scène dans laquelle Audrey Tautou court en se disant  » si j’arrive avant la voiture, c’est que mon amoureux est encore en vie », le film est rempli de ce genre de « cuculapralineries ».

2: Titanic: Ok c’est une très belle histoire, l’amour impossible sur fond de drame historique, le mélange est particulièrement efficace quoique classique (Autant en emporte le vent), mais quelques scènes sont des sommets de mièvreries, notamment quand  Di Caprio s’accroche à son bout de bois avant de couler.

3: Amélie Poulain: rien à dire sur la réalisation, c’est super créatif et original, bref ça frôle le génie niveau forme. Mais au niveau narration, l’histoire est quand même un peu cucul non?

4: Million dollar baby: j’ai aimé la tournure inattendue et brutale du film, mais au dernier tiers à l’hôpital, trop de scènes tombent dans le mièvre.

5: American Girl: Une erreur. Je ne sais plus comment j’avais atterri devant ce navet. L’histoire d’un lycéenne qui veut devenir pompom girl. Un film qui s’adresse aux adolescentes pré pubères, et que j’ai vu au cinéma à une séance tardive en semaine, un horaire où ce genre de public ne va pas au cinéma.

Voilà pour mon top 5 des films cucul la praline, auquel j’aurais pu peut-être rajouté fireproof, un film certes mièvre à mourir, mais qui est encore plus puritain et moralisateur.

Jean-Louis Trintignant

Voilà, fini les paillettes, les défilés sur le tapis rouge d’acteurs, réalisateurs, et autres people et imposteurs qui sont venus se faire photographier sous la pluie. Depuis l’étranger j’ai eu la chance de pouvoir éviter tout le tsointsoin des médias, les défilés de mode, les soirées en boîte, les coiffures d’untel, etc… et j’en suis ravi.  J’ai tout de même pris la peine de m’intéresser au palmarès, histoire de voir si Cronenberg serait une nouvelle fois primé après Crash en 1996.  Rien pour Cronenberg, ni pour Alain Resnais donc,  mais ce n’est pas vraiment une surprise. Le palmarès met en avant des réalisateurs déjà habitués de Cannes, et dont les films plairont, comme souvent,  sans doute plus à la critique qu’au public, sauf peut être aux dépressifs contemplatifs.  Il faut dire qu’avec Nani Moretti comme président du jury…bref voici le palmarès:

- Palme d’or: Amour de Michael Haneke, avec Jean Louis Trintignant , un film au ton grave qui a visiblement touché le jury. Trintignant ne doit pas être étranger à cette reconnaissance. Personnellement après  avoir vu le Ruban blanc, je crois que j’éviterais ce film, malgré toute l’estime que j’ai pour Trintignant.

- Grand prix du jury: Reality, un film italien de Matteo Garrone sur un poissonnier qui rêve de remporter un télé crochet, pourquoi pas…

- Prix de la mise en scène: Post Tenebras lux du Mexicain Carlos Reygadas. Film hué lors de sa projection, visiblement trop esthétique et symbolique, même pour la critique c’est dire. Le fait qu’il est été hué me donnerait presque envie d’y aller.

- Prix du scénario: Au delà des collines, un film roumain dont le synopsis promet deux heures de maux de tête: une histoire d’amour entre deux femmes dans un couvent, à laquelle se mêlent religion et exorcisme. Apparemment les deux interprètes, d’ailleurs lauréates du prix d’interprétation, donnent du relief au tout. Bref tout cela me ferait fuir, mais c’est souvent quand on s’attend au pire qu’on est agréablement surpris. Mais je ne tenterais pas le pari.

- Prix du jury: La part des anges de Ken Loach, encore un super habitué du festival qui revient dans un film apparemment plus léger, primé sans doute pour donner une touche de gaieté au palmarès (sic).

- Camera d’or: Les bêtes du sud sauvage de l’Américain Benh Zeitlin, déjà récompensé à Sundance. Les caméras d’or sont souvent les films les plus intéressants ( Stranger than paradise), comme beaucoup de premiers long métrages de réalisateurs.  Sans doute le film que je serais le plus enclin à aller voir.

Voilà pour le bilan donc, qui fait la part belle à des œuvres pas forcément gaie ni grand public, sauf peut être pour les deux derniers films. De toute façon  Sur la route et Cosmopolis sont les seuls que j’irai voir, pas de place pour la déprime, l’ennui et les maux de tête en ce moment…

La plus grosse erreur que j’ai commise, mais qui est dû à mon esprit plus indécis et instinctif que rigoureux et organisé, a été de tourner des scènes sans avoir d’idée trop précise sur le montage final. Même si j’avais une idée globale du résultat final, ne pas avoir assez réfléchi au montage en amont a rendu délicat cette étape. Je devais repenser le montage en fonction des séquences du tournées, alors que l’inverse m’aurait fait économiser du temps et des maux de tête. Du coup je n’ai jamais vraiment terminé le montage final car après de multiple essais, j’en ai conclu que je devais tourner d’autres scènes pour satisfaire à mes choix finaux.
- Mon premier conseil est donc de penser d’abord au montage et d’avoir une idée la plus précise possible de chaque plans avant de préparer le tournage. Le mieux étant de rédiger un storyboard, avec le détail et la description des plans.

- Chaque plan doit avoir son utilité, et être de la bonne longueur (c’est l’une des règles abstraites que j’ai du mal à cerner). De fait, ne pas inclure un plan inutile dans son montage pour allonger artificiellement la durée du film. Cela arrive souvent au début où la grande majorité des monteurs débutants se retrouve avec un film bien plus court que prévu et rallonge certaines séquences en coupant plus largement,  ou comble avec des plans d’ensemble.

- Les plans statiques, sans mouvement de caméra, doivent être courts, sauf si leur contenu est lui-même dynamique, ou si le contenu des dialogues le justifie.

- Lors de dialogues, il est préférable de limiter le rythme de changement de plans afin de ne pas courir le risque de voir le montage nuire à leur compréhension.

- Pour continuer sur la durée des plans, celle -ci est entièrement à l’appréciation du réalisateur et à ce qu’il souhaite faire passer. Même si c’est un exemple extrême, des plans fixes et longs sans trop de mouvement à l’intérieur,  peuvent être bien adaptés si le réalisateur cherche à susciter l’ennui, la contemplation, ou bien mettre en exergue les dialogues ou le jeu des acteurs, par exemple.

Encore une fois, tout dépend de la volonté du réalisateur. Un rythme accéléré constant, avec des images tournées caméras à l’épaule se succédant à un rythme effréné et présentant des plans à l’intérieur desquels les personnages sont en mouvement, risquent de donner des maux de têtes. Le dernier exemple en date qui me vient à l’esprit est la série Antigone 34 que j’ai regardé avant tout car elle a été tourné dans ma ville.  Les séquences de transition, avec des images  courtes et filmées à l’épaule (dont certaines avec un caméscope) donnaient un résultat assez brouillon, et m’ont provoqué des migraines.

Tout est entre les mains du monteur et du réalisateur qui doivent avoir le recul nécessaire pour se poser en spectateur, et savoir répondre à la question suivante: Est-ce-que le montage (durée des plans, tailles, rythme, …) met en valeur le contenu du film?

Prendre une séquence d’un film ou d’un épisode d’une série, voire une publicité, repérer les plans, puis les séparer, donne un aperçu de comment ils s’agencent entre eux pour donner un effet de cohérence et de continuité. Puis essayer à son tour de remonter les images en y apportant des petites modifications, supprimer un plan, en raccourcir un autre, modifier la bande son, cet exercice de « recréation » est bien utile pour comprendre la complexité et les enjeux du montage. Le moindre détail peut nuire à l’ensemble et il faut avoir une vision à la fois détaillée et globale. Ce remontage est d’ailleurs une spécialité d’internautes qui font ce que l’on appelle des « détournements ». Le son peut également subir le même traitement, mais il est souvent plus difficile d’isoler les sons différents.

Personnellement je me suis essayé à ce genre d’exercice  en « faisant joujou » avec des séquences de film mais je m’en suis vite lassé. Je dois cependant reconnaître que découper un bout de film, séparer tous  les plans à l’intérieur de deux ou trois séquences, permet d’avoir une idée de la difficulté à élaborer une séquence. Compter le nombre et la durée moyenne des plans est aussi un exercice intéressant qui permet de comprendre qu’il n’y a pas vraiment de règle, mais que tout est une histoire de cohérence (cf: les longs plans séquences, comme celui de Snake eyes).

Tout cela pour dire que partir d’une séquence montée pour la disséquer et l’analyser, est un exercice pratique des plus pertinents lorsqu’on ambitionne de faire du montage.

Encore une fois, ces manipulations doivent se faire sur des séquences narratives courtes, d’environ 5-10 minutes au maximum, ce qui est déjà très long quand il s’agit de compter les plans par exemple.

Pour aller plus loin dans la création, monter des images de sources diverses et en faire un film, avec une bande sonore  est un art à part entière.

Plusieurs artistes vidéastes consacrent d’ailleurs l’essentiel de leur œuvre à des films construits de la sorte, simplement grâce au montage.

C’est un moyen très accessible de créer (pas besoin de caméra ni d’équipe technique) même si cela pose un problème de droits des images réutilisées.

Si pour les candidats rompus à la communication on peut aisément imaginer que les réponses ont été filtrées et soigneusement étudiées et ne sont pas forcément authentiques et encore moins originales, d’autres sont plus surprenantes.

Si Nicolas Sarkozy cite Stanley Kubrick (un bon point)  le cinéma italien (vaste thème), François Hollande nomme Rohmer (pas vraiment populaire), et cite Spartacus (bon point également) de Kubrick, et Cheyennes (un classique) du grand John Ford.

Marine Le Pen et Francis Bayrou sont plus « cinéma populaire » avec Pretty Woman (sic!) pour le centriste et des films patriotiques comme Braveheart pour la candidate Le Pen.

Quant au candidat Poutou, il  nomme le cinéaste qui le soutient (juste retour des choses) , le britannique Ken Loach, très engagé politiquement et dont le thème récurrent est la lutte ouvrière, alors que Nathalie Arthaud avoue un penchant pour les « road movies » et les œuvres qui font la part belle aux femmes comme Thelma et Louise ou « We want sex equality« .

Le candidat Mélenchon cite parmi son top5  Apocalypse Now ou encore Little Big Man, à la fois classiques, populaires et engagés.

Mais le candidat qui m’a le plus agréablement surpris est Jacques Cheminade, que je prenais pour un illuminé et qui a répondu Rashômon de Akira Kurosawa, et L’homme qui tua Liberty Valance de John Ford, ainsi que La règle du jeu de Jean Renoir.  Peut-être le candidat dont les goûts se rapprocheraient le plus des miens, même si j’aime aussi  Kubrick et d’autres films cités par les autres évidemment. Certes,  il a aussi mentionné L’invasion des profanateurs filme culte de science fiction qui correspond plus à l’image d’OVNI que je me faisais du candidat.

Quant à la loi Hadopi, mis à part pour le président sortant, elle fait l’unanimité contre elle, car jugée peu efficace, injuste  et surtout inadaptée à la réalité numérique actuelle.

Leos Carax de retour à Cannes

N’étant pas forcément un grand fan des festivals de cinéma dont les jurys ne récompensent pas toujours (souvent?) sur des critères cinématographiques, je dois tout de même reconnaitre que la sélection officielle de l’édition 2012 du festival de Cannes semble bien prometteuse.

Outre le film d’ouverture Moonlight kingdom de Wes Anderson avec Bruce Willis et Bill Muray, on retrouvera dans la compétition David Cronenberg et son très attendu Cosmopolis, Sur la Route de Walter Salles (qui a déjà été primé pour Carnets de voyage), et aussi  Amour de Michael Haneke (souvent primés à Cannes ces dernières années), ou encore le dernier Ken Loach  La part des anges.

Les réalisateurs français ne sont pas non plus en reste avec Jacques Audiard De rouille et d’os,  et celui que la critique a longtemps désigné comme « prodige » Leos Carax (les amants du pont neuf, Pola X)  assez irrégulier mais parfois brillamment inspiré, et qui viendra défendre  Holy Motors avec Eva Mendes et Kylie Minogue.

Alain Resnais, l’un des plus grands réalisateurs français, auteur notamment des chefs d’œuvres Nuit et brouillard et Hiroshima mon amour et qui aurait pu recevoir un prix d’honneur, concourra avec Vous n’avez encore rien vu.

Bref, une sélection assez costaud en réalisateur, et je ne parlerais même pas des acteurs (Brad Pitt, Jean-Louis Trintignan, Bill Muray, Bruce Willis, etc…) qui devraient faire les choux gras de médias toujours avides de paillettes et de défilés sur tapis rouge au bord de la croisette.

Le reste des films sélectionnés (54 films en tout) sera dévoilé la semaine prochaine, mais pour une mise en bouche ça a de la gueule.

Une adaptation prometteuse

Alors que plusieurs œuvres majeures de la « Beat Generation » ont été adaptées à l’écran, comme Lolita (Nabokov) et le festin nu (William Burroughts), sur la route de l’américain d’origine francophone (et oui le français était sa langue maternelle) Jack Kerouac, qui était rarement sobre lors de ses rares passages à la télévision, sera sur les écrans fin mai, et fera partie de la sélection officielle du festival de Cannes. Une adaptation du réalisateur brésilien Walter Salles, auteur entre autres du très bon Carnets de voyage, autre road trip mettant en scène le jeune Ernesto Guevara, dans un voyage initiatique à travers l’Amérique latine.

Salles revisite donc le genre avec cette adaptation du cultissime « On the road« , avec le feu follet Moriarty, la douce Marylou, et le narrateur, Sal Paradise, un jeune écrivain en quête d’identité et de liberté. C’est surtout le livre d’une époque d’insouciance, de la recherche d’horizons nouveaux. C’est surtout une œuvre qui a nourri un style cinématographique, celui du « road movie ». Donc quoi de plus normal que de le voir à l’écran et mis en scène par un cinéaste qui a déjà fait ses preuves dans le genre.
Au niveau du casting, c’est la mijaurée de la saga pour ados Twilight Kristen Stewart qui incarne le rôle de Marylou au milieu d’une sacrée bande. L’anglais Sam Riley très bon en accent américain, incarnera Sal, le narrateur (le Jack kerouac du bouquin), on retrouvera aussi Kirsten Dunst, Viggo Mortensen et une figure incontournable du cinéma d’auteur états-unien, Steve Buscemi. En espérant que cette adaptation n’ait pas un arrière goût de sacrilège, ni de relent de « Carnet de voyage », le film sera très attendu tant le livre a fait des émules. Sa sélection au festival de Cannes est déjà un gage de qualité en soit, pour un réalisateur qui avait déjà reçu plusieurs prix avec Carnets de voyage lors du festival de 2004.
Pour le grand public, le film est attendu en salle pour le 23 mai.
Enfin, en 2013 devrait sortir dans les salles l’adaptation d’un autre roman de la « Beat Generation », Kill your darlings (Allen Ginsberg) avec dans le rôle principal Daniel Radcliffe autre ex-idole des ados.

Un accessoire superflu

Avant la saga Star Wars, déjà revenue en version remastérisée il y a quelques années, voilà que Titanic de Cameron et bientôt le Roi Lion reviennent en salle en 3D.
Une ressortie bien évidemment commerciale et un moyen de retirer quelques millions de bénéfices en plus pour des films qui ont plus que cartonné au box office.
Alors que le marché du DVD continue de subir les effets du piratage, la 3D est décidément une arme supplémentaire pour les gros distributeurs pour faire du neuf avec du vieux en recyclant tous les grands succès en trois dimensions.
Pour le Titanic la ressortie en 3D correspond au centième anniversaire de la date de la disparition du célèbre paquebot. Il y a donc une certaine légitimité derrière cette superbe opportunité commerciale.
Personnellement je ne vois pas l’intérêt de la 3D. J’ai toujours eu du mal avec les lunettes, et je trouve que c’est avant tout un prétexte pour faire payer les places plus chères. Et puis je n’aime pas qu’on m’impose un film en 3D alors que pour quelques euros de moins, le spectacle est le même, voire plus confortable car les lunettes-gadgets prennent parfois la buée et surtout elles réduisent les niveaux des couleurs, ce qui gâche un peu le spectacle (qu’on paye pourtant plus cher!).

Si le cinéma doit évoluer avec les nouvelles technologies, la 3D n’apporte pas grand chose, tout du moins dans l’état actuel des dispositifs.
Par contre, je suis tout à fait pour les ressorties de films à grand spectacle dans les salles, vu que comme dirait Lapalisse, le cinéma c’est fait avant tout pour les salles et les grands écrans, et cela peut permettre aux nouvelles générations de redécouvrir des œuvres connues uniquement via la télévision.

Pour le Roi Lion, je comprends la logique de vouloir attirer les familles (et les plus petits) dans les salles, mais est-ce-que la 3D est adaptée aux plus petits?

Sacha Baron Cohen en dictateur

Sacha Baron Cohen pour ceux qui ne connaitraient pas encore, c’est avant tout un acteur célèbre pour avoir interprété trois personnages récurrents dans une émission anglaise culte du début des années 2000, « Ali G in da USA ». Dans la peau de Borat, Bruno ou d’Ali G, trop caricaturaux pour être vrais, on le voyait faire des vraies-fausses interviews de personnages célèbres (dont une avec le fameux linguiste Noël Chomsky) ou de simples badauds, ou encore des débats sur des sujets sensibles ou existentiels, toujours sur le territoire de l’oncle Sam. Certaines de ces vidéos sont devenus cultes, comme ce micro-trottoir lors d’une manifestation Anti IVG aux USA, où on le voit notamment reprocher à des manifestantes de ne pas aimer quelque chose qu’elles n’ont jamais essayé. Ou encore ce casting que passe Borat et qui laisse les recruteurs pantois pendant que le Kazakhe mime une scène d’action interminable.

Devant le succès de l’émission, ses personnages ont ensuite chacun fait l’objet d’un film. Si Ali G in da house a surtout marché en Angleterre, Borat qui pourtant ne fait que reprendre les meilleurs moments de l’émission, a fait un carton  à l’international, récoltant près de 250 millions de dollars de recettes. Bruno a eu moins de succès, mais  a bénéficié d’une sortie mondiale et de l’effet Borat.

On l’a vu également dans des rôles secondaires, comme dans Talladega Nights (« Ricky Bobby roi du circuit » en français),  Sweeney Todd de Tim Burton et plus récemment dans Hugo Cabret.

Récemment il a fait parlé de lui aux oscars où il est arrivé dans la peau de l’Amiral Général Aladeen, afin de promouvoir la sortir du film The Dictator qui sortira en salle  en juin.

Sacha Baron Cohen toujours soucieux de faire le buzz  pour promouvoir ses films, s’est donc pointé à la fameuse cérémonie  des statuettes en dictateur. Sur le tapis rouge, il a renversé les prétendus cendres de Kim Jong II sur un journaliste  venu l’interviewer.  On se rappelle que déjà du temps de la promotion de Borat et de Bruno, Sacha Baron Cohen donnait ses interviews dans la peau de ses personnages.

Certes la démarche est à la base originale et surtout efficace, mais n’est-elle pas un peu répétitive, trop prévisible? Cette confusion d’identités entre l’acteur et ses personnages commence à être un peu trop lassante à mon goût, surtout depuis qu’on s’est habitué à le voir en « lui même » dans les médias. Et puis il peut être aussi drôle en Sacha  Baron Cohen que dans la peau de n’importe quel personnage.

Dans tous les cas, son film The dictator qui sortira dans les salles en juin  et qui n’est pas sans rappeler le Dictateur de Chaplin, devrait faire un carton au box-office. Il met en scène un despote du moyen Orient (plus précisément de la République du Wadiya), aussi tyrannique qu’exubérant, un personnage inspiré de Kadhafi (avec notamment une garde rapprochée féminine) et de Sadam Hussein. Un film dans la même veine que les trois précédents, avec un personnage pas si éloigné que ceux de Borat et d’Ali G: antisémite, misogyne, raciste, intolérant, grossier,  avec le mépris des droits de l’homme et la haine de l’Amérique en plus… Ce tyran, en visite à New York pour un discours au siège des Nations Unies, sera rasé puis secrètement remplacé par un sosie afin que son pays prennent la voix de la démocratie. Le dictateur devra alors apprendre à s’adapter à la vie à New York,  loin du luxe de ses palais, tout en faisant tout pour empêcher  que la démocratie n’atteigne son pays.

Interface de Movie Maker

Lors du dernier article consacré au métier de monteur, j’avais conclu en avançant que les principes fondamentaux du montage pouvaient s’acquérir avec de la pratique sur des logiciels de montage même basiques.
Prenons le plus simple des logiciels de montage, qui est gratuit, Windows Movie Maker sans vouloir faire de publicité (mais n’importe quel logiciel gratuit ferait aussi bien l’affaire). Ce logiciel a l’avantage d’être facile à manipuler, sans trop d’opérations compliquées et il permet de s’aguerrir au montage et de réaliser de petits films avec quelques simples effets spéciaux. Mais mettons les effets spéciaux de côté, et intéressons-nous uniquement au montage stricto sensu, comme celui d’un film personnel avec Movie Maker:

• Avant le montage: Dans le cas d’un film tourné soit même avec une caméra vidéo ou un téléphone portable, il faut d’abord garder à l’esprit que le montage doit se penser avant le tournage, car le réalisateur doit avoir une idée, précise ou vague (pour les moins organisés ou ceux qui marchent au feeling) à la fois des plans (durée, angle de prise de vues, taille, fixe ou pas, …) et de leur ordre dans la séquence. Il faut aussi prévoir de numéroter les différentes prises afin de faciliter le travail au montage, car en identifiant rapidement la prise la plus intéressante selon son numéro, ou son ordre, on évitera au moment du montage, un long et inutile travail de recherche.

• Le transfert des séquences: Une fois la matière en boîte, il faut transférer les séquences que l’on souhaite monter, en les pré-découpant afin de ne pas avoir de trop longues séquences à trier. Il vaut mieux être large dans cette première découpe car il vaut mieux avoir trop de matière que pas assez. On peut par exemple couper les plans d’une même scène et les transférer ensemble.

• Mettre dans l’ordre pour obtenir la structure: Vient le moment de mettre dans l’ordre les séquences transférées selon le plan de montage que l’on a préétabli (cette étape n’est pas obligatoire mais c’est un gain de temps non négligeable). Puis il suffit de découper avec précision chaque prise avant de l’insérer dans la structure. Lors de cette étape, le monteur peut revoir l’ordre des plans et faire de nombreux réajustements, comme sur la durée des plans, il peut aussi supprimer un plan.

• Les raccords: Quand la structure finale est en place, il faut alors veiller à ce que les raccords entre les différents plans ou séquences soient cohérents et le plus naturels possible. Le secret du raccord, sans parler du fondu au noir ou enchainé qui est pour moi plus une absence de raccord qu’autre chose, c’est de juxtaposer deux plans par un élément commun qui peut être un mouvement, un angle de caméra, une taille de plan, une lumière, un son, une musique, un voix « off » ou « on », bref n’importe quel élément visuel ou sonore qui servira de jointure entre deux plans. Selon l’effet recherché et à un niveau plus avancé, les raccords peuvent être plus ou moins élaborés et tendre plus vers un effet de contraste que de continuité entre les plans.

• Le mixage sonore: Une fois les images et les raccords visuels en place vient le temps de monter le son.  Pour un logiciel basique comme celui que nous avons pris en exemple (WMM) il est possible de rajouter d’autres éléments sonores (musiques, bruits de fonds, sons enregistrés à part) et de jouer sur leurs niveaux de volume (un mixage basique).

Voilà pour ce qui est de monter soit même ses propres images. Il ne va pas sans dire qu’il vaut mieux commencer par des petits films, d’une à cinq minutes. Vouloir monter d’emblée un film trop long entraîne souvent une forme de lassitude qui conduit souvent à l’abandon progressif du projet (je suis très bien placé pour en parler). Au-delà de cette durée, il faut prévoir de diviser le film en séquences que l’on montera les unes après les autres.

Une fois ce type de logiciel maitrisé, il conviendra alors de s’intéresser à des logiciels plus « professionnels » comme Adobe première ou Final Cut (pour Mac).

Dans un prochain article je donnerais quelques conseils (toujours le fruit de mon humble expérience) pour le tournage et le montage, car comme je l’ai déjà dit, ces deux étapes sont interdépendantes.